HAIRSPRAY de Mark O’Donnell e Thomas Meehan

Em 2003, numa visita a Nova Iorque, vi a produção original deste musical na Broadway e não fiquei convencido. Em 2007 estreou a adaptação cinematográfica, que vi e gostei. Agora foi a vez de o ver de novo no palco, nesta produção portuguesa e... sabem uma coisa? Adorei!

Tracy é uma teenager cujo maior sonho é dançar no show televisivo do Corny Collins. Quando abrem audições para o mesmo, ela concorre, mas como não obedece ao padrão físico da “cabra” Velma Von Tussel e sua insuportável filha, não é aceite. Com a ajuda de Seaweed, um jovem negro, consegue chamar a atenção do Corny Collins e entra no show. Mas Tracy quer ir mais longe e acha que é altura de brancos e negros dançarem em conjunto na televisão, ao mesmo tempo que se apaixona por Link Larkin, o ídolo de todas as adolescentes e namorado de Amber Von Tussle.

Confesso a minha ignorância, nunca tinha ouvido falado do Teatro ÀPriori, mas a partir de agora vou estar muito atento às suas produções que, se tiverem a qualidade deste HAIRSPRAY, espero venham a ser muitas.

Pois é, como já disse, adorei esta produção cheia de energia, cor, música e alegria de viver. É verdade, fui vê-la com alguma desconfiança. Com excepção de dois dos actores, os nomes da equipa não me diziam nada. Mas não havia razões para ter medo. João Prior encena com o coração no sítio certo e faz correr a produção de forma inspirada, bem oleada, com sentido de humor e uma boa direcção de actores. A coreografia de Leonardo Viana é simples, agradável à vista e verdadeiramente contagiante; uma pena não nos podermos juntar ao elenco no palco para dançar com eles.

Quanto ao elenco, temos uma companhia de gente talentosa, capaz de interpretar, cantar e dançar. Como já mencionei, apenas conhecia dois dos actores: Dennis Correia (o fabuloso Angel de RENT) que nos dá um Seaweed cheio de ritmo e graça e Maria Prata (que fazia parte do trio feminino da PEQUENA LOJA DOS HORRORES) que dá convincentemente vida à terrível Amber. No papel de Tracy, Emília Guimarães revela uma energia inesgotável e cria facilmente empatia connosco; como a sua mãe, Diogo Almeida é deliciosamente divertido, com um brilho atrevido no olhar. Inês Lima é muito cómica como a desajeitada Penny e Sofia de Castro vai muito bem como a manipuladora Velma. Como Link, Rui Serrinha é um perfeito ídolo das matinés e, como Corny, Diogo Pinto irradia charme. Amália Santana é uma maternal Motormouth, Rafael Pina o apaixonado e bem-disposto Wilbur, Naymara Cruz mexe-se bem como a Pequena Inês e Raquel Carvalho é divertida como a tresloucada Prudy, a mãe de Penny. Uma última palavra para Inês Maia, Soraia Morais e Ailèma Monteiro que são um verdadeiro “dinamite” como as Dynamites.

Infelizmente, por razões que desconheço, só conseguiram sala para quatro sessões esgotadas, pelo que espero que alguém ceda um lugar a esta fabulosa companhia e que HAIRPSRAY volte rapidamente aos nossos palcos. Esta explosão de cor e alegria é um verdadeiro antidoto para os tempos negros que se se vivem e uma muito desejada lufada de ar fresco. Vamos criar uma petição para que volte aos nossos palcos?

Elenco: Ailèma Monteiro, Alexandra Galhordas, Amália Santana, Beatriz Alves, Dennis Correia, Diogo Almeida, Diogo Pinto, Emília Guimarães, Fábio Teixeira, Guilherme Coutinho, Haba Barbosa, Inês Azevedo, Inês Lima, Inês Maia, Inês Nunes, Inês Reais, Inês Rocha, João Monteiro, Kelly Oliveira, Leonardo Viana, Margarida Esteves, Maria Prata, Matilde Lima, Naymara Cruz, Rafael Pina, Raquel Carvalho, Renata Arenga, Rui Serrinha, Simão Sousa, Sofia de Castro, Soraia Morais, Zé Francisco.

Equipa Criativa: Texto Original: Mark O’Donnell & Thomas Meehan  • Música:  Marc Shaiman • Letras: Scott Wittman & Marc Shaiman • Encenação e Produção Executiva: João Prior • Tradução: Inês Lima, João Prior e Marta Martins • Coreografia: Leonardo Viana • Direção Musical: Mari Ribeiro • Direção de Actores: Marta Martins • Consultoria: Marco Mendonça • Assistência Coreográfica: Inês Azevedo • Produção: Inês Lima, Inês Azevedo, João Monteiro, Marta Martins, Patrícia Rodrigues, Margarida Esteves • Fotografia e Design do Cartaz: Renato Arroyo • Social Media: Patrícia Rodrigues • Marketing: João Monteiro • Figurinos: Alexandra Galhordas, João Prior • Mestre de Costura: Preciosa Verdilheiro • Cabelos: Pedro Ribeiro • Desenho de Luz: Tiago Santos • Desenho de Som: Margarida Pinto • Design 3D: Pedro Felizardo • Fotografias e Vídeo: António Esteves • Produção: Teatro ÀPriori

SPELLING BEE – O CONCURSO DE SOLETRAR de Rachel Sheinkin

Este musical começou a sua carreira de sucesso Off-Broadway em 2005 e, nesse mesmo ano, foi transferido para a Broadway, onde esteve em exibição cerca de três anos.

Seis pré-adolescentes, vindos de várias “terrinhas” dos EUA, concorrem entre si no concurso de soletração Spelling Bee. Cada um traz consigo as suas histórias, as suas razões para concorrerem e o motivo por que é importante ganharem.

O ano passado tive o prazer de assistir ao delicioso musical THE DROWSY CHAPERONE, um projecto conjunto da Callback Produções e da EDSAE (Companhia de Teatro Musical). Este ano, o espectáculo escolhido é este SPELLING BEE. Ao contrário do DROWSY CHAPERONE, nunca tinha visto este musical, por isso não há comparações para fazer.

Como em “equipa vencedora não se mexe”, a dupla JP Costa & Sara Teixeira está de volta e o resultado são cerca de duas horas de ritmo, gargalhada, sem pontos mortos e com coreografia a condizer. O jovem elenco agarra os seus personagens com energia e boa disposição, mas tenho de destacar os dois que me conquistaram, talvez por serem também os personagens mais engraçados: Salvador Morgado (que já era brilhante no DROWSY CHAPERONE) como William Barfee, o rapaz do pé mágico, e Rafael Mateus como Leaf Coneybear, o tótó com rasgos de génio. Para mim, o melhor momento musical pertence a Morgado com a sua canção “Pé Mágico”.

Algures entre um espectáculo de fim de curso de uma escola e a Broadway, este musical não pretende ser mais do que um simples entretenimento e é isso mesmo que é. Gostei Venham mais!

Elenco: António Freitas, Carolina Durán, Inês Ribeiro, Joana Von Amann, Jorge Honda, Leonor Alves, Mafalda Gonçalves, Rafael Mateus, Raquel dos Santos, Rodrigo Balseiro, Salvador Morgado, Vasco Ribeiro

Equipa Criativa: Encenação e Direção Artística: JP Costa & Sara Teixeira • Texto Original: Rachel Sheinkin • Música e Letras: William Finn • Coreografia e Movimento: JP Costa • Direcção Vocal: Sara Teixeira • Design Gráfico e Imagem: Ana Filipa Leite • Direcção Técnica: João LaCueva • Som: Alexandre Furtado & Sara Teixeira •  Luz: Nuno Pereira & JP Costa • Fotografia do Elenco: Gonçalo Lima • Fotografia de Palco: Pedro Antas Ferreira • Redes Sociais: Iara Pedro & Salvador Morgado • Parcerias: EDSAE & Auditório do Liceu Camões • Apoio à Produção: Beatriz Monteiro, Família Ferreira e Família Teixeira • Produção: Callback Produções

DONA MARGARIDA de Roberto Athayde

A Dona Margarida uma professora de biologia, autoritária, agressiva, com uma linguagem corporal muito sexual e um discurso ofensivo. Dos seus alunos exige total obediência e que aprendam as suas lições sem questionarem nada.

Tive o prazer de ver a grande Sandra José há 12 anos, quando esta peça do brasileiro Roberto Athayde estreou em Lisboa, e aqui está ela de volta. Melhor que nunca, completamente maluca e com uma energia de fazer inveja. Como os seus alunos da primária, nós os espectadores tememos que ela nos chame ao quadro e o que nos poderá fazer com a sua grande régua. Confesso que gostei mais desta produção do que da original, a encenação é mais eficaz e mais divertida.

São cerca de 60 minutos de risos, onde se dizem muitas verdades, se fala da importância do ensino e onde somos positivamente subjugados pela força e talento de Sandra José... e não esquecer, devemos-lhe obediência cega!!! Não percam esta aula!

Elenco: Sandra José 

Equipa Criativa: Encenação: Rafael Medrado • Texto: Roberto Athayde • Assistente de Encenação: Mafalda Rodrigues • Desenho de Luz e Operação Técnica: Enzo Ballaré • Fotografia: Patrícia Blázquez • Comunicação e Imagem: Ana Veiga • Produção: Boutique da Cultur

BROKEBACK MOUNTAIN de Ashley Robinson

No dia 09.02.2006 estreou nos nossos cinemas O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN. Com uma série de nomeações para os Oscars e um elenco de estrelas, causou furor com a sua história de amor homossexual e até o público heterossexual fez questão de o ir ver. Para ser honesto, quando o vi não me conquistou; achei-o um pouco aborrecido e muito soft; com o passar do tempo melhorou um pouco na minha memória, mas não muito. 

Agora, 20 anos depois, chega aos nossos palcos uma versão teatral a partir do conto de Annie Proulx, o que quer dizer que não é propriamente uma adaptação do filme. O resultado? Uma agradável surpresa!

Ennis (Duarte Melo) e Jack (Rui Pedro Silva) são dois jovens cowboys que se conhecem num Verão em que ambos vão tomar conta de ovelhas em Brokeback Mountain. Sozinhos na montanha, acabam por se apaixonar, mas sabem que o seu amor não pode ser visto pelos outros e ambos acabam por casar com mulheres. Mas a sua paixão, contra tudo e contra todos, continua.

Nas mãos de Daniel Gorjão, esta história de um amor proibido é encenada de forma muito simples e (será que posso dizer isto?) plasticamente fotográfica. A ver se me faço entender. Durante toda a peça, há momentos em que tudo fica estático, como se tratasse de uma fotografia. Esses momentos ajudam a criar dramatismo, movem a acção e parece que fecham os protagonistas sobre si próprios. É como se a sua paixão tivesse de ser contida. Visualmente, é tudo muito cuidado, o nudismo não é gratuito e as cenas de amor são emotivas. A introdução de canções que vão pontuando a história, parece um pouco estranho ao início, mas depois faz todo o sentido.

Carla Galvão empresta a sua bonita voz às canções e marca presença em palco. Joana Ribeiro e João Candeias, que se desdobram em vários papéis, são quase meros figurantes, ofuscados pela paixão de que, juntamente com Galvão, são testemunhas silenciosas. E depois temos Duarte Melo e Rui Pedro Silva que se entregam aos seus personagens com naturalidade, química natural e sem vergonha. A sua paixão é intensa, é verdadeira e os seus medos também o são.

Uma bonita história de amor assombrada pelo medo e que termina em tragédia. Faz-nos pensar porque é que, ainda hoje, o amor entre duas pessoas do mesmo sexo é condenado por tanta gente. Se conseguirem bilhetes não percam!

Elenco: Carla Galvão, Duarte Melo, Joana Ribeiro, João Candeias, Rui Pedro Silva

Equipa Criativa: Encenação e Direcção Plástica: Daniel Gorjão • Texto: Ashley Robinson, a partir do conto de Annie Proulx • Tradução: Ana Sampaio • Música: Dan Gillespie Sells • Assistente de Encenação: Maria Jorge • Desenho de Luz e Direção Técnica: Sara Garrinhas • Direção Musical: Miguel Lucas Mendes • Vídeo de Cena:  Rafael Bernal • Execução de Cenografia: FPSolutions • Fotografia de Cartaz: Pedro Macedo – Framed Photos • Produção Executiva: Teatro do Vão 

Fotos: Alípio Padilha / Vasco Coelho

AVÓ MAGNÉTICA de Pedro Sousa Loureiro

No palco, cinco actores recordam as suas avós. O ponto de inspiração para esta celebração é a avó de Pedro, Margarida Oliveira, uma mulher que nas décadas de 60/70 viveu com um tio homossexual, e que aceitou a sexualidade do seu neto sem julgamentos. 

Para ser sincero, diria que isto na realidade não é uma peça, mas sim uma verdadeira celebração, não só das avós, mas também da vida LGBT+. Os actores enchem o palco, por vezes a plateia, com energia, loucura salutar e ritmo contagiante. Por vezes deu-me vontade de subir ao palco e dançar com eles. Mas não é só de risos que se vive aqui, também tem os seus momentos mais sérios, por vezes comoventes, como por exemplo quando Margarida Bento recorda as suas avós (vieram-me lágrimas aos olhos). Uma coisa é evidente, o amor e a admiração que os actores sentem pelas suas avós.

A imaginativa e colorida encenação, mistura teatro, com cinema, entrevistas, dança, canções e muita maluquice. Somos transportados pelo excelente grupo de actores, que nos fazem crer que tudo aquilo está a ser improvisado naquele momento, para uma festa onde se fala de muitas verdades com humor e carinho. Por vezes é o completo caos... e como eu gosto de ver caos no palco!

Quanto aos cinco actores em palco, estão todos muito bem. Pedro Sousa Loureiro aka Feathering transborda energia por todos os seus poros, Margarida Bento é a sensualidade em pessoa, Violeta Luz é deliciosamente louca, Ana Graça é mais ajuizada, mas com um bom grão de loucura, e Margarida Cardeal é espontânea e cheia de graça.

Numa nota muito pessoal, que até pode não fazer sentido aqui, mas que me apetece partilhar com vocês, a peça fez-me recordar a minha avó materna. 

Ela foi a minha companheira em muitas idas ao cinema, incluindo sessões de terror à meia-noite, bem como em algumas viagens a Londres e Nova Iorque. Nessas cidades, mesmo sem saber uma palavra de inglês, ia ver os musicais comigo e com o meu então namorado; acompanhava-nos também nas longas caminhadas pelas cidades, nós de ténis, ela sempre de salto alto. Lembro-me que não podíamos entrar no wc depois dela, pois se o fizéssemos ficávamos intoxicados com os quilos de laca que ela punha no cabelo. 

Foi ela que, quando eu comecei a namorar, convidou o meu namorado para um café a dois e disse-lhe que estava feliz por eu ter encontrado alguém que gostava de mim. Foi sempre uma mulher de mente aberta, que casou com o homem de quem gostava contra a vontade dos seus pais e que foi mãe aos 16 anos de idade. Não há dúvida, as nossas avós deixaram uma grande marca em todos nós!

Voltando a esta AVÓ MAGNÉTICA, devia ser acarinhada pela comunidade LGBT+ e pelo público em geral. Diria que mais que uma peça, é uma experiência que não vos vai deixar indiferentes. É sempre bom juntarmo-nos a uma festa cheia de alegria, que nos diz que devemos ter orgulho em quem somos, independentemente da nossa sexualidade ou entidade. O importante é sermos nós próprios, sermos felizes!

Elenco: Ana Graça, Margarida Bento, Margarida Cardeal, Pedro Sousa Loureiro aka Feathering, Violeta Luz 

Equipa Criativa: Criação, Produção e Realização: Pedro Sousa Loureiro aka Feathering • Texto: Miguel Stichini e Pedro Sousa Loureiro aka Feathering • Música Original e Sonoplastia: Francisco Barahona aka Fresko • Participação em Video: Alex Azevedo, Ana Noronha Andrade, Gilvânio Souza Gigi e Marta Barahona Abreu • Desenho de Luz: Miguel Cruz

Fotos: Alípio Padilha

O MEU AMIGO FREDDY KRUEGER de André Murraças

André Murraças leva-nos numa viagem nostálgica, por vezes dolorosa, aos anos 90, uma altura em que a Internet era algo ainda distante e ainda se alugavam filmes nos clubes de vídeo. Nessa altura ele, um jovem homossexual, era alvo de bullying, homofobia e gordofobia. Quando descobriu o cinema de terror, identificou-se com os seus monstros que, tal como ele, eram colocados à margem pela sociedade e tornavam-se violentos como forma de sobreviverem. Entre esses monstros, o seu preferido era Freddy Krueger, com quem criou uma bela amizade.

Num cenário simples, repleto de referências visuais dos anos 80/90, André fala-nos do que o ligava ao cinema de terror, de como se relacionava com os seus colegas, da sua necessidade de fazer parte de um grupo de amigos, de como descobriu que o humor o podia ajudar na sua vida social, a descoberta dos musicais e do mundo do teatro. Tudo isto é feito com honestidade e humor.

Excertos de diversos filmes vão pontuando a noite, com especial relevo para os filmes da série PESADELO EM ELM STREET. Receio que uma importante referência cinéfila passe despercebida ao público em geral e talvez André devesse chamar a atenção para a mesma; refiro-me à cena do filme A CORDA de Alfred Hithcock, onde dois homens estrangulam outro, esses dois homens são um suposto casal gay e um dos actores, Farley Granger, também era gay na vida real. Também temos alguns momentos musicais, que foi onde eu achei que André se entrega mais. 

Tenho que confessar que me revi em muitas das coisas porque André passou; no meu caso nos anos 70/80. Talvez por isso, ia à espera de que o espectáculo tivesse uma forte componente emocional, mas não a senti e também achei que André falha (talvez por opção) em criar empatia com nós o público, mas consegue entreter-nos durante 90 minutos e nem dei pelo tempo passar.

Infelizmente, apesar de tudo o que já se conquistou em termos de direitos LGBT+, fazer uma peça destas, em que um actor expõe a sua sexualidade sem vergonha, ainda é um acto de coragem. Recentemente assisti a isso em ODE AOS MEUS HOMENS com Rafael Diaz Costa e agora foi a vez de André Murraças. Parabéns pela coragem!

Elenco: André Murraças

Equipa Criativa: Encenação, Texto, Cenografia, Genéricos e Grafismos Video: André Murraças • Video: Três Vinténs • Fotografia: André Murraças, Matilde Fernandes e Nicole Sánchez • Apoio Cenográfico: Cândida Maria • Produção Executiva: Nicole Sánchez • Produção: Canário Bonacheirão

Fotos: Leonardo Negrão 

UM PEQUENO INCIDENTE de José Pedro Peter

Numa sala de espera de um centro de saúde, dois homens aguardam o resultado do teste rápido ao VIH. Um deles muito nervoso, quase em pânico, o outro calmo e racional. Enquanto esperam, acabam por travar conhecimento um com o outro. Quando sabem os resultados, um deles desaparece sem rasto, mas o futuro tem planos para eles. 

Uma premissa muito simples, acaba por se tornar numa envolvente experiência emocional. De certa forma, quase de forma imersiva, nós estamos naquela sala de espera com os protagonistas e somos testemunhas de uma belíssima história de amor, ao mesmo tempo que somos confrontados com algumas duras realidades. Um dos personagens diz a certa altura que era preferível que o teste desse positivo, pois assim acabava-se a ansiedade e medo de cada vez que ia fazer testes... confesso que é algo que já me passou pela cabeça.

A encenação de Marco António Pâmio é genial na sua quase inexistência, dando palco aos seus protagonistas e criando uma grande envolvência entre eles e nós espectadores. É tudo tão natural, tão real, que até parece que nada foi encenado. O texto da autoria de um dos actores, José Pedro Peter, é realista, tem humor, evita lamechices e deixa-nos de coração cheio.

Quanto aos actores, Carlos Marinho e José Pedro Peter, são tão naturais na sua representação, que praticamente nos esquecemos que são actores. A cumplicidade e química entre ambos é transcendental, transformando esta história num verdadeiro acto de amor que nos deixa (ou a mim deixou) com lágrimas nos olhos.

Como dizem na peça e não podia concordar mais, mais importante do que um “eu amo-te” ou “gosto de ti” é um simples “Estou Contigo”, que tanto serve para namorados como para amigos. É bom saber que, independentemente de tudo, alguém está connosco, ao nosso lado. Que não estamos sozinhos.

Os meus sinceros parabéns a todos os envolvidos nesta peça e só lamento que tenha tido tão poucas exibições. Espero que voltem!

Elenco: Carlos Marinho, José Pedro Peter

Equipa Criativa: Encenação: Marco António Pâmio • Texto: José Pedro Peter • Direcção de Produção: Fabio Camara • Figurino: Fabio Namatame • Iluminador: Fran Barros  • Arte Gráfica: Cristian Schumann • Produção: Lugibi Produções – PedroPeterProd.

Fotos: Leekyung Kim

A GAIVOTA de Anton Tchékhov

Num casarão no meio do campo, junto a um lago, o jovem Constantino apresenta uma peça interpretada pela sua paixão Nina; os espectadores são a sua mãe (uma actriz famosa) e um grupo de amigos desta, incluindo o seu amante, um famoso escritor de nome Alexandre Trigorin. A peça é, de certa forma, ridicularizada pela sua mãe e Nina apaixona-se pelo escritor. A partir daqui, o drama desenrola-se com paixões, amores não correspondidos, traições e, para animar a festa, tragédia.

Acreditem ou não, toda a minha vida estive convencido que este famosa peça de Anton Tchékhov era um grande dramalhão. Qual a minha surpresa ao descobrir que afinal é uma comédia... amarga e muito dramática, mas uma comédia! 

Nesta nova adaptação mais contemporânea, ganha, nas mãos experientes e talentosas de Diogo Infante, ligeireza, um apurado sentido de humor, nunca perdendo o lado trágico da história. Como é costume nas suas produções, é visualmente forte e elegante, com uma imagem do lago que serve de testemunha de tudo o que se passa. Entre o riso e a tragédia iminente, somos atraídos pelos personagens e pelas consequências das suas acções. Quase todos os personagens têm algo a esconder, com excepção do caseiro e do professor. E existe na realidade uma gaivota...

Apesar de Alexandra Lencastre ser a “cabeça de cartaz” e fazer muito bem da diva teatral cuja vida está prestes a ser abalada, para mim a grande revelação da noite é Rita Rocha Silva como Nina (curiosamente, papel interpretado por Alexandra Lencastre numa produção de 1992). Da adolescente ingénua e apaixonada, à mulher desiludida e perdida, ela é excepcional. Como o interesse amoroso de ambas, Ivo Canelas tem o balanço certo entre arrogância, gozo e egoísmo; sim, não é um personagem simpático, mas é jeitoso. André Leitão é convincente como o pretensioso, artístico e carente filho da actriz e Pedro Laginha é o simpático médico que serve de espectador aos acontecimentos. Margarida Bakker consegue esconder o seu natural glamour como a deprimida e infeliz filha dos caseiros e Guilherme Filipe é divertido como o irmão mais velho da actriz. Em papéis mais secundários, Rita Salema e António Melo dão vida aos seus papéis e, como o professor, Flávio Gil marca presença de forma calma e eficaz.

Recomendo uma visita ao Trindade para ver esta GAIVOTA e apreciarem a excelência do elenco e da produção. Vale muito a pena!

Elenco: Alexandra Lencastre, André Leitão, António Melo, Flávio Gil, Guilherme Filipe, Ivo Canelas, Margarida Bakker, Pedro Laginha, Rita Rocha Silva, Rita Salema 

Equipa Criativa: Versão e Encenação: Diogo Infante • Texto: Anton Tchékhov • Apoio à Dramaturgia: Margarida Tavares • Cenografia: Catarina Amaro • Figurinos: Filipe Faísca • Desenho de Luz: Nuno Meira • Música Original: Artur Guimarães • Sonoplastia: Rui Santos • Assistência de Encenação: Flávio Gil • Direcção de Cena: Raquel Caetano • Técnicos de Palco: Pedro Viegas, Tiago Areia, Tatiana Damaya e Renata Cruz • Operação de Luz: Alexandre Jerónimo Ponto: • Operação de Som: Rui Santos Ponto • Guarda-roupa: Joana Margarida • Fotografia Cartaz e Spot TV: Pedro Macedo – Framed Photos  •  Produção: Teatro da Trindade INATEL

Fotos: Alípio Padilha e Manuel Rodrigues

O FANTASMA DOS CANTERVILLE de Oscar Wilde

Uma família americana compra a velha mansão dos Canterville em Inglaterra, onde durante séculos o fantasma de Sir Simon tem assombrado e assustado os seus proprietários anteriores. Ao princípio, os americanos não acreditam em fantasmas, mas contra factos não há argumentos e, sem medo, tornam-se um pesadelo para o fantasma.

Publicado em 1887, este conto de Oscar Wilde já foi alvo de várias adaptações teatrais e cinematográficas (lembro-me de ver uma na televisão quando era puto, onde David Niven fazia de fantasma). Desta vez temos uma versão portuguesa com um espírito muito britânico.

O cenário é austero, fazendo lembrar os filmes de terror gótico de antigamente, havendo alturas em que sentimos que estamos a assistir a uma sessão espírita. A iluminação é brilhante e os efeitos práticos e eficazes na sua simplicidade. Apesar do humor, quando tudo fica às escuras, não deixamos de sentir um pequeno calafrio.

O elenco está espiritualmente inspirado e encarna a teatralidade da peça. Joana Campos narra os acontecimentos assustadores com seriedade e António Mortágua marca presença como o fantasma assombrado. André Pardal encarna na perfeição o pai de família americano e Sandra Faleiro diverte-se como a sua esposa; como os seus filhos, João Bravo dá vida aos traquinas gémeos, João Pedro Dantas é o prático filho mais velho e Mafalda Jara é a doce filha, um ser de luz na escuridão da mansão.

Com uma encenação lúgubre, sóbria, elegante e divertida de Bruno Bravo, pontuada com algumas velhas canções, aconselho uma visita à mansão dos Canterville e ao seu fantasma assombrado.

Elenco: António Mortágua, André Pardal, Joana Campos, João Bravo, João Pedro Dantas, Mafalda Jara, Sandra Faleiro

Equipa Criativa: Adaptação e Encenação: Bruno Bravo • Texto: Oscar Wilde • Cenografia, Figurinos e Adereços: Stephane Alberto • Desenho de Luz: António Villar • Assistente de cenografia: Margarida Silva • Construção de cenário: David Paredes e Nuno Tomaz •  Assistente de figurinos: Joana Veloso • Costura: Inês Correia e Inês Batista • Direção de Produção: Telma Grova • Assistente de produção: Inês Felix • Assistência de Encenação e Direção de Cena: Margarida Lopes Batista • Assistência técnica: Nell Heuer • Operação Técnica: Rafael Ligeiro • Video: Tiago Nuno • Media Partner: Antena  • Produção: Primeiros Sintomas

Fotos: Sérgio Lemos